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一、永远的新浪潮
在戈达尔离世和特吕弗诞辰90周年的双重加持下，似乎法国新浪潮也成了难以忽略的重要考点。
当然，电影学考研考来考去，也就那么点事，法国新浪潮碰上的概率一直比较高。今年更明确，有了戈达尔与特吕弗两个焦点人物。首先，就需要厘清，电影手册派和左岸派之间的关系，如果还在把左岸派盲目归类于新浪潮之中，这个分数就等于自己不要了。
再来，就是分别对他们两个人的艺术人生有一个基本的了解，再加上理论化的分析，也要补点片子，至少5部起。尤其像戈达尔这种，创作生命极长的导演，要补课内容就更多。
戈达尔从影评人入行，继而开启电影拍摄生涯，是法国电影新浪潮运动的主力干将。他的一生，完成了一百多部各类影视作品，在柏林国际电影节、威尼斯国际电影节和戛纳国际电影节上多次获奖。
他执导的多部影片被影迷津津乐道，更被捧上神坛。法国电影资料馆的创办人亨利·朗格卢瓦在乔治·萨杜尔所编著的《世界电影史》序言中，把电影史分为“戈达尔前”和“戈达尔后”。
戈达尔在电影语言上进行了大胆革新：跳切、插入字幕卡和照片、声画错位、打乱叙事顺序等等，都成为他电影的特色，也成为后来的电影人不断模仿的对象。他曾有一句非常著名且重要的论断：“我们只破坏规则，但不建立规则。”
推荐补习影片：《精疲力尽》（1960）、《随心所欲》（1962）、《法外之徒》（1964）、《狂人皮埃罗》（1965）、《芳名卡门》（1983）、《再见语言》（2014）、《影像之书》（2018）等。
和戈达尔一样，也是法国电影新浪潮运动的领军人物，一生共创作了25部经典佳作。在制片人中心制的好莱坞电影体系下，特吕弗首次提出了“作者论”，并发起了对电影制作技术与方法的革新，为艺术电影的发展打下了坚实的基础。
1954年，特吕弗发表《法国电影的一些倾向》首倡“作者论”，提出影片的真正作者应该是导演而非编剧，在一系列作品中坚持题材和风格的一贯特征的导演，即是自己作品的作者。
此理论还确立了一批美国导演，如希区柯克、霍华德·霍克斯等人的作者地位，与欧洲电影作者等量齐观。
“作者论”对个性的强调迎合了20世纪五、六十年代西方电影个人化创作思潮和自我表达的需要，成为法国新浪潮电影和西方现代派电影兴起的理论依据之一，对于鼓励艺术创新、提高导演地位、减少制片厂的干扰起到积极作用。但若单纯强调导演个性，盲目赞扬作者的一切作品，无视时代、社会、历史对作品的影响，也是一种偏颇，巴赞称之为“美学上的个人崇拜”。
推荐补习影片：《四百击》（1959）、《祖与占》（1962）、《婚姻生活》（1970）、《日以作夜》（1973）等。并需要注意，以安托万为主角拍摄了五部曲。
二、年度人物
带有诞辰纪念性质的大师，也是比较需要注意的部分，如果老师想偷懒出题，这样的题目既合适，又能让学生写到笔断。
2022年是安哲逝世10周年纪念。2012年1月25日，西奥·安哲罗普洛斯在雅典拍摄电影《另一片海》时，在街边遭遇车祸，不幸离世。在今年的北京国际电影节、丝绸之路国际电影节等节中都对他的系列作品进行了展映。
安哲是享誉世界的希腊国宝级导演，也是深受中国影迷热爱的电影大师。
空旷的街道与荒原、疏离与悲伤的人物是他作品中鲜明的视觉形象，独树一帜的长镜头美学与非凡的时空调度，是他的作品最显著的风格特征。在主题上，他擅长从希腊神话中取材，将自己对于希腊历史的深刻反思与对人民的密切关注合二为一，用暧昧、隐晦的电影语言完成表达。
推荐补习影片：《流浪艺人》（1975）、《雾中风景》（1988）、《鹳鸟踟蹰》（1991）、《尤利西斯的凝视》（1995）、《永恒和一日》（1998）、《哭泣的草原》（2004）、《时光之尘》（2008）等。
除了安哲外，大家的老朋友阿伦·雷乃、塔可夫斯基也迎来了整数年诞辰。
中国电影史部分，史东山、崔嵬、李萍倩几位大佬都迎来了诞辰。
今年是崔嵬诞辰110周年纪念，作为北京电影制片厂的代表人物，同他的性格相似，崔嵬导演的故事片粗狂奔放、浓郁炽烈。
他主演的角色，也戏如其人，充满激情、爱憎分明，但粗中有细，充满生活气息。对于表演，崔嵬曾说过：“激情是创作的生命”，赵丹曾称赞他的表演“得天独厚”、“可遇而不可求”，具有“中国气派”。
在故事片之外，崔嵬也导演了数部戏曲片，既符合戏曲音乐的节奏，又具备电影的时空特征，大大增加了原戏的感染力。他注意镜头表现力与戏曲节奏的结合，戏曲假定性与电影纪实性的结合，情景交融，追求诗的意境。夏衍认为，后来的戏曲片没有一部能超越《杨门女将》。
导演代表作品：《青春之歌》（1959）、《杨门女将》（1960）、《野猪林》（1962）、《穆桂英大战洪州》（1963）、《小兵张嘎》（1963）等；
演员代表作品：《宋景诗》（1955）、《老兵新传》（1959）、《红旗谱》（1960）等。
李萍倩与史东山在中国电影资料馆的公号上配合宣传影展，都有较为详细的文章。
第四代著名女导演黄蜀芹今年离世，她的《人·鬼·情》是一部非常重要的影片，也很有可能出现在考试中。我们去年也将第四代导演群体列入重要考点范畴《考研必看 | 被遗忘的时光》，可作为背景参考。尤其这一年来，多个女导演国际获奖，需要考虑一下女导演创作问题。
秦怡与金迪的离世，也许会涉及“22大明星”相关考点，但明星学向来不是国内电影学研究的重点。
三、新主流电影
新主流电影始终是我们这两年强调的考点，去年就有文章《考研必看 | 主旋律电影大考年》。
最早提出“主旋律电影”的概念，是在1992年之后的市场化时期。
针对八十年代电影市场和社会思潮出现的新的矛盾和挑战，以及极具星期的娱乐片大潮，为了坚持全面贯彻“两为”方向和“双百”方针而在创作指导思想上提出“突出主旋律，坚持多样化”的口号，并作为每年总结和安排影片生产、端正创作思想的指导方针。
它的提出，有力推动了革命历史题材影片的创作，也推动了讴歌改革开放和现代化建设、塑造社会主义新人形象的现实题材影片的创作。
然而，今天的“主旋律电影”又产生了新的变化，与商业类型结合、采用实力演员与流量明星出演，以及题材的多元化等等，都值得关注。
而现在也特别强调高峰作品的出现。
要有高峰，肯定必先落地。高峰的底盘，是庞大而热情的集体，是庞大而热情的创作者集体。高峰作品应当是由集体的智慧“碰撞”得来的。高峰的底盘，不仅有创作者，更存在着庞大电影观众群体。
作为创作者，要创造高峰，就需要先“下生活”、“到人民中去”，需要有“烟火气”。戏剧的核心就是“人”，是关于人的哲学思考，电影亦承载着这样的思考。贴近“人”、表现“人”、思考“人”，让大写的“人”在电影中站稳脚跟。
更应当重视表现普通人的情感与精神世界，现实中的小人物，却是电影中的被表现者与主人公——这是电影之所以具备人民性的一个层次。
在一些学术论坛上，不少老师、学者都提到了《乌鸦与麻雀》，电影创作者从影片聚焦的群像身上挖掘出了人性的闪光。即便当时创作者的技术依旧朴素，但难能可贵的是保存了一份贴近群众的真诚与坦率，做到了真正的“下生活”。或许，这样极度“落地”的作品，正是如今我们所希冀见到的“高峰”电影。
若想要成为“高峰”，除了需要“落地”之外，还需要经历通过时间的检验。高峰作品必然经受得起时间的考验，愈发表现出人文价值、艺术价值”。
以2022年来说，《人生大事》可能是最为贴合的一个案例，需要格外注意这部影片。
另也需要多注意，构建中国电影学派的一些新理论出现。
而这些理论，最后落地的体现，就是奖项。
由中国电影家协会和中国文联联合主办，简称百花奖。创办于1962年，是由周恩来总理特地指明举办的电影大奖。百花奖又称观众奖，因为它代表观众对电影的看法和评价，并由观众投票产生奖项。百花奖之所以命名为“百花”，是为了体现“百花齐放，百家争鸣”的文化方针，它也是中国历史最为悠久和最有观众基础的电影大奖。奖杯为铜质镀金花神。
从1992年起，中国电影金鸡奖与大众电影百花奖双奖颁奖活动，改办为中国金鸡百花电影节。
今年的科幻电影《独行月球》《外太空的莫扎特》《明日战记》，加上即将上演的《流浪地球2》，也许会出现对中国科幻电影再讨论的题目。
另外影视教育问题，也是需要考虑的考点范畴。像是今年北影节的影视教育论坛上，王海洲老师数次提到的观点：一，夯实人文基础，即把握中国传统文化、哲学、优秀文明，在此基础上发挥学生所擅长的技术表达；二，开拓社会视野，引导学生认识生活、把握生活；三，跟踪前沿技术，方能承担生产任务；四，创新艺术表达：鼓励学生进行造型语言探索，为中国电影的升级换代提供新鲜力量。
其中，王海洲教授提出的“认识生活”与“把握中国传统文化”两点也被其他老师在发言中反复强调。
四、百年影片
今年也是不少影片的纪念年份。
较为重要的，如目前能看到的最早的中国电影《劳工之爱情》（1922），《教父》（1972），《茶馆》（1982）。
中国院线制改革20年，想来在电影院岌岌可危的这一年，也是重要的鼓舞士气的考点了。第三代核心领导人的与世长辞，也许会让老师们想起分账大片历史问题。
还有香港回归25周年，以及金像奖40周年，可多注意合拍片问题。
明星公司成立100年，也是很重要的一个考点，电影公司史是非常复杂，但又越发重要的一个研究要点。尤其需要厘清，张石川和郑正秋的对比异同，喧闹派与冷峻派两条电影路线的进程。以及明星公司和早期电影杂志、电影理论的关系。
我们在这里想要特别提及一下的，是中国儿童电影百年，也是从1922年拍摄的影片《顽童》算起。儿童电影作为一个特殊的类型，跨度又极大，可以是动画，也可以是真人电影，如果作为一个论述题出现，可能会写死不少同学。这也让我想到一个经典老题，喜剧的社会功能。
另外，今年因为顺利举办冬奥会，以及世界杯的正在进行，也许体育电影还会是考点范畴，可参考去年文章《考研必看 | 奥运会也能改变电影史？》。
一分耕耘一分收获，考试没有捷径。最后，祝大家，考出水平，考出风采。
2、戈达尔与特吕弗的关系，吕克戈达尔用一生追逐渐进式的真理
ABAGo一个关于欧洲的，严肃、有趣、激进的思想视觉文化志，接下来我们就来聊聊关于戈达尔与特吕弗的关系?以下内容大家不妨参考一二希望能帮到您!
戈达尔与特吕弗的关系
ABAGo
一个关于欧洲的，严肃、有趣、激进的思想视觉文化志
导语：
这位导演长达60年的职业生涯可以被视为一个不断调整的项目，它旨在审视电影与其他艺术的关系，及其内在的美学和道德责任。
让-吕克·戈达尔，1996年由Patrick Messina拍摄。
让-吕克·戈达尔（Jean-Luc Godard，1930-2022），20世纪60年代法国新浪潮运动（French New Wave）的奠基者之一，于9月13日逝世，享年91岁，他为世人留下了由数十部故事片、短片、电视连续剧和散文电影组成的惊人财富。根据戈达尔的法律顾问帕特里克·让纳雷（Patrick Jeanneret）向《纽约时报》提供的一份声明，戈达尔在患有“多重致残疾病”后，在瑞士接受协助自杀辞世。
戈达尔和他的新浪潮同事一样，以影评人的身份进入电影界，但与同行不同的是，他从未放弃过这个职业，而是更愿意将自己的电影视为他批评的最纯粹表达。尽管这位导演以其早期自由奔放的后现代解构题材作品而闻名，但他60年的职业生涯可以被看作是一个不断调整的项目，以审视电影与其他艺术的关系，以及创造图像所固有的内在美学和道德责任。
让-吕克·戈达尔和弗朗索瓦·特吕弗，在电影《戈达尔与特吕弗》（2010）中的镜头，该片由艾曼纽·洛宏（ 执导。
即使是他早期那些更容易理解的电影，也显示出这位导演已经带着钟表匠的好奇心，打破了传统电影制作的惯例。他的处女作《精疲力尽》（Breathless，1960）借鉴了意大利新现实主义（Neorealism）的许多传统，但却颠覆了这种流派对纪实小说和社会紧迫性的强调，转而采用了一种意识流的方式，消除了角色、电影人和观众之间的隔阂。戈达尔受委托将阿尔贝托·莫拉维亚（Alberto Moravia，1907-90，意大利著名小说家）1954年的小说改编成电影，他的现代主义杰作《蔑视》（Contempt，1963）摒弃了以往那种引人瞩目的电影制作方式。这部电影改编自原著小说，重述了荷马史诗和詹姆斯·乔伊斯（James Joyce，1882-1941，爱尔兰著名作家和诗人）的史诗作品《尤利西斯》（Ulysses），同时也是一部描述自己制作历程的电影。戈达尔大量地融入了其他电影的标准，主要是米开朗基罗·安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni，1912-2007，意大利现代主义导演）异化的内心世界，但他也延伸到其他艺术形式的滑稽碰撞中，无论是激发故事灵感的文学作品，还是用明亮的颜料飞溅在古典希腊雕像作品之上。
《精疲力尽》，1960，剧情片/犯罪，1小时30分钟。
《蔑视》（Contempt，1954）是现代欧洲文学大师的一部杰出而又令人不安的作品。阿尔贝托·莫拉维亚因其冷静清晰的表达、对心理复杂性和社会自负的严格关注、对性的惊人开放态度而闻名的所有品质，在这个关于失败婚姻的故事中均显而易见。该小说也激发了让-吕克·戈达尔创作了同名电影 —— 是对现代消费社会情感真空中的绝望和自欺的坚定不移的审视。
60年代末，新兴的越南抗议运动和1968年5月的骚乱在政治上激发了左翼的戈达尔，促使这位导演的优先事项发生了转变，他越来越多地对自己的方法进行审查和修改。这有时体现在个人方面，比如他对女性的沙文主义态度在他与第一任妻子安娜·卡丽娜（Anna Karina，1940-2019，丹麦/法国演员）的合作中逐渐演变，在他与女权主义导演安娜-玛丽·米埃维尔（Anne-Marie Miéville，1945）的浪漫和工作伙伴关系之后，他对女性的态度变得更加尊重和进步。更广泛地说，戈达尔摒弃了他早期较为顽皮的电影所特有的那种欢乐的、狭隘的影迷情结，而是更全面地参与到所有艺术中来，经常思考绘画、戏剧、文学和电影在反映其时代中所扮演的历史角色。这时，这位导演也开始认识到，艺术家们有意识或无意识的有限视角和偏见，可能会扭曲他们对现实的描述。
戈达尔曾有一句戏言：“摄影就是真理，而电影就是每秒24次的真理。”正是这种对艺术与生俱来的主观性的承认，推动了他颇具挑战性、被忽视但却永远鼓舞人心的后期作品。从他通过吉加·维尔托夫集团（Dziga Vertov Group，1968年至1972年间活跃的激进电影制作合作社）的宣传纪录片尝试社会主义现实主义（socialist realism）题材开始，戈达尔顽强地追求某种客观形象的可能性。为了找到这种可能性，他一直走在电影制作技术的最前沿，经常在视频格式上取得突破，承诺比传统的赛璐珞影片更轻松地拍摄，尤其是利用剪辑技术的改进，创造出分屏拼贴和叠加的效果，并用立体声的音频对位，使每个频道相互交错。
通常，戈达尔会把自己的对话和图像，与文学引用和对绘画、雕像的扫描混合在一起，以一种融合了马克思主义辩证法（Marxist dialectic）的哲学原则和立体主义（Cubism）美学原则相结合的方式，从多个角度攻击一个单一思想。正如毕加索（Picasso）的《亚维农的少女》（Les Demoiselles d'Avignon，1907）蕴含了整个艺术形式的历史轨迹一样，像戈达尔的《电影社会主义》（Film Socialisme，2010）这样的作品也引用了电影制作、美术和文学的各个时代，提供了持续的政治斗争和欧洲身份问题的棱镜视角。戈达尔承认对真理的追求是渐近的，总是脱离联系的，他经常追求诗意的自由联想，而不是单纯的事实。
《亚维农的少女》，布面油画，244 x 234 cm。
是西班牙画家巴伯罗·毕加索的名作之一，由其于1907年在西班牙的妓院中所绘。此画抛弃了透视法，转而使用平板的原始主义画法，它被认为是后来的立体主义与现代艺术的发端之一。
《电影社会主义》，2010，剧情片/世界电影，1小时42分钟。
所有这一切都可能令人筋疲力尽，当戈达尔在1967年的《周末》讽刺地宣布“电影的终结”时，许多影评人和观众都对他不屑一顾。但是，如果把他晚年的创作当作纯粹的智力活动，就会错过他近乎异想天开的幽默感和双关语游戏中的乐趣。例如，《电影社会主义》在开场白中就对丢失的西班牙黄金展开了深入的讨论，而开场画面是一只鹦鹉（在西班牙语中，表示黄金的单词是“oro”，而鹦鹉的单词是“loro”）。戈达尔于1987年对莎士比亚（Shakespeare）的《李尔王》（King Lear）进行了难以归类的“改编”，这部戏剧是由遗失后的记忆片段重新组合而成，它将科迪莉亚（Cordelia）对父亲的承诺解构为“一无所有”，将她关于爱情无法言说的宣言变成了一个具体的对象，并以此来定义其缺失性。
《李尔王》，1987，剧情片/科幻，1小时30分钟。
虽然戈达尔最出名的是早期的《精疲力尽》或《狂人皮埃罗》（Pierrot le fou，1965），但他在这场对“真理”不切实际地追求中的真正代表作则是其制作了十年的电影项目：《电影史》（Histoire(s) du cinéma），它始于1989年，并于1999年完成。戈达尔在这部密集的拼贴作品中利用了“历史”的双重含义，即事实历史和叙事故事，这部由多个部分组成的系列探索了电影的各个方面，从黑色电影类型的演变，到关于每个镜头是如何构思、拍摄和最终选择剪辑的更多哲学问题。他通过大量重叠的引语和影像来阐释这些观点，这让电影人可以在一系列的主题上展开内心的批判，这些主题既赞扬又谴责了电影表达情感、想法和社会现实的能力。乔纳森·罗森鲍姆（Jonathan Rosenbaum，1943，美国著名影评人）将这部长达4个多小时的散文电影与詹姆斯·乔伊斯的人生最后一部晦涩难懂的小说《芬尼根守灵夜》（Finnegans Wake，1939）进行了比较，《电影史》与《芬尼根守灵夜》一样，使用了一种纯粹的限制性语言（双关语），表达了一些轻浮但有趣的思想，而这些思想也可能是深刻的。这位曾经把女性角色描绘成具有破坏性的蛇蝎美人的男人承认，在类型片中，大多数女性最终都是不幸的，而他年轻时对电影改善世界的信念，与有记录可查的用于掩盖或感伤现代历史上一些最可怕的恐怖事件，发生了令人绝望的冲突。这是对美学和道德视野的一种极致、勇敢的表述，也是对他职业生涯的完美祝福。在真实的戈达尔风格中，他在另一个四分之一世纪的时间里，继续对这一说法进行着构建和批判。
《狂人皮埃罗》，1965 ，剧情片/爱情，1小时50分钟。
《电影史》，1988，纪录片，4小时26分钟。
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